比爾。格裡爾今年50歲，過著自由藝術家的生活。自20世紀70年代到2000年為止，從事美術設計工作26年，在這期間，他為客戶進行工作的模式幾乎沒有改變過。
「我的客戶，像《紐約時報》，希望直接拿到成品，」比爾向我解釋說。所以，如果為一家報紙或雜誌製作一幅插圖，或為一個產品設計徽標，他必須親自完成所有的工序——製作圖樣、上色、把其裱到紙板上、在上面覆蓋上薄絹並打包，最後交給郵遞員或使用聯邦快遞公司傳送。他把這稱之為「打包的藝術」。在行業內，人們把這種工作稱之為「暗箱藝術」，因為首先需要對像要的視覺形象拍照，然後把畫面在四層不同的彩色膠片上成像——也叫做色彩分離，最後付之出版。
「你一個必須把所有的程序做完，正因為作品中凝聚了作者的很多心血，所以顯得十分珍貴，」比爾說，「這是一件真正的藝術品，有時候，人們甚至願意把它們掛在自己的牆上欣賞。事實上，《紐約時報》早就想把其出版過的刊物中所有的插圖作品作一次藝術展。」

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「但是最近幾年，這種情況發生了變化，」比爾告訴我。隨著出版商和廣告公司開始採用數字化技術，依賴最新的設計軟件如Quark 、Photoshop 和Illustrator（從事平面設計的藝術家把它們稱為「三位一體」）進行創作，藝術設計變得更加容易起來。
每一個人都可以在藝術學校學習使用這些軟件。實際上，由於平面設計變得如此容易，以至於這項藝術創作演變成了香草冰激凌生產。每個人都可以幹，任何人的產品都沒有區別。「從設計方面看，」他說，「這些技術賦予每個人相同的工具，所以人人都能借助軟件畫出線條，正因為如此，作品不再像以前那樣具有很高的含金量了。你過去需要用肉眼觀察某些圖形是否平衡，字體選擇是否正確，但是現在，每個人都能在一瞬間完成這些工作。」

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